मोनोक्रोम पेंटिंग: विशेषताएं, उदाहरण

2024 लेखक: Leah Sherlock | [email protected]. अंतिम बार संशोधित: 2023-12-17 05:37

कलाकारों ने लंबे समय से ध्यान दिया है कि लोगों में मजबूत भावनात्मक प्रतिक्रियाओं को जगाने के लिए रंग का उपयोग किया जा सकता है। वैन गॉग जैसे कलाकार इससे प्रेरित होकर कई रंगों से भरी उत्कृष्ट कृतियों का निर्माण करते थे। हालांकि, अन्य कलाकार अन्यथा सोचते हैं। वे केवल एक रंग का उपयोग करके एक उत्कृष्ट कृति बनाने का प्रयास करते हैं।

परिभाषा

मोनोक्रोम पेंटिंग केवल एक रंग से चित्रित कला का एक काम है। वास्तव में, "मोनोक्रोम" शब्द का शाब्दिक अर्थ है "एक रंग"। यह कला के लिए एक अलग दृष्टिकोण है, हालांकि, अधिकांश लोगों के विचार से इसका अधिक व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है।

तकनीक

पेंटिंग कैसे बनाई जाती है यदि केवल एक रंग का उपयोग किया जाता है? इसकी कुंजी यह है कि, उदाहरण के लिए, नीला और हरा अलग-अलग रंग हैं, लेकिन नेवी ब्लू और सियान अलग नहीं हैं; वे सिर्फ एक ही रंग के शेड हैं। सफेद रंग को आधार रंग में जोड़ा जा सकता है, जिससे यह हल्का हो जाता है। सैद्धांतिक रूप से, इसे तब तक जारी रखा जा सकता है जब तक कि लगभग शुद्ध सफेद न हो जाए। वहीं, ब्लैक डालकर कलर को डार्क किया जा सकता है। इस प्रकार कलाकारोंविभिन्न रंगों में रेखाओं, तत्वों और आकृतियों से युक्त एक संपूर्ण छवि को चित्रित कर सकता है, जो तकनीकी रूप से एक रंग में एक पेंटिंग है।

मोनोक्रोम पेंटिंग तकनीक का उपयोग क्यों करें

कलाकार जानते हैं कि मानवीय भावनाओं में रंग कितनी गहराई से प्रतिबिम्बित होता है। मोनोक्रोमैटिक पेंटिंग गहरे व्यक्तिगत अनुभवों को भड़काने के शक्तिशाली तरीके बन गए हैं, और कलाकारों को मोनोक्रोम कला के माध्यम से भावनाओं और आध्यात्मिकता का पता लगाने के लिए प्रोत्साहित करते हैं।

कलाकार कई कारणों से अपने रंग पैलेट को कम करते हैं, लेकिन अधिकतर यह किसी विशेष विषय, अवधारणा या तकनीक पर दर्शकों का ध्यान केंद्रित करने का एक तरीका है। रंग में काम करने की सभी जटिलताओं के बिना, आकार, बनावट, प्रतीकात्मक अर्थ के साथ प्रयोग करना संभव हो जाता है।

काले, सफेद और भूरे रंग में मोनोक्रोम पेंटिंग को ग्रिसैल भी कहा जाता है।

दिशा विकास

ग्रिसाइल में बनी पश्चिमी कला की सबसे पुरानी जीवित कृतियां मध्य युग में बनाई गई थीं। वे सभी विकर्षणों को दूर करने और मन को केंद्रित करने के लिए डिज़ाइन किए गए थे। जैसे-जैसे रंग रोजमर्रा की जिंदगी में व्याप्त होता है, काला और सफेद दूसरी दुनिया में संक्रमण का संकेत दे सकता है या आध्यात्मिक संदर्भ हो सकता है।

कुछ लोगों के लिए, रंग निषिद्ध फल था और धार्मिक आदेशों द्वारा सौंदर्य तपस्या का अभ्यास करने पर प्रतिबंध लगा दिया गया था। उदाहरण के लिए, ग्रिसैल तकनीक में सना हुआ ग्लास 12 वीं शताब्दी में सिस्टरियन भिक्षुओं द्वारा उज्ज्वल चर्च खिड़कियों के विकल्प के रूप में बनाया गया था, इसके पारभासी के साथभूरे रंग के पैनल, कभी-कभी काले और पीले रंग में चित्रित छवियों के साथ। दिखने में हल्की और सुरुचिपूर्ण, कांच की खिड़की वाली ग्रिल ने ऑर्डर के बाहर लोकप्रियता हासिल की और अंततः कई फ्रांसीसी चर्चों में मॉडल बन गई।

प्रकाश और छाया अध्ययन

15वीं शताब्दी के बाद से, कलाकारों ने अपने द्वारा चित्रित विषयों और रचनाओं से उत्पन्न चुनौतियों का सामना करने के लिए श्वेत और श्याम रंग में चित्रित किया है। रंग उन्मूलन कलाकारों को इस बात पर ध्यान केंद्रित करने की अनुमति देता है कि पूर्ण रंग के कैनवास पर जाने से पहले किसी आकृति, वस्तु या दृश्य की सतह पर प्रकाश और छाया कैसे गिरते हैं।

ग्रिसेल पेंटिंग

तेजी से, ग्रिसैल में पेंटिंग कला के स्वतंत्र कार्यों के रूप में दिखाई देने लगीं।

जेन वैन आइक का सेंट बारबरा (1437, रॉयल म्यूज़ियम ऑफ़ फाइन आर्ट्स एंटवर्प) भारतीय स्याही और तेल में चित्रित पैनल पर मोनोक्रोम काम का सबसे पहला ज्ञात उदाहरण है।

शताब्दी से कलाकारों ने पेंटिंग में पत्थर की मूर्ति के रूप की नकल करने के लिए खुद को चुनौती दी है। उत्तरी यूरोप में सजावटी दीवार पेंटिंग और तराशे हुए प्लास्टर जैसे भ्रामक सजावटी तत्वों का स्वाद था। इस अभ्यास में सबसे बड़ी सफलता कलाकार जैकब डी विट ने हासिल की थी। त्रि-आयामी दीवार राहत के लिए उनके काम को आसानी से गलत माना जा सकता है।

अमूर्त

अमूर्त कलाकार अक्सर मोनोक्रोम पेंटिंग की ओर रुख करते हैं। जब कलाकारों के पास हर संभव चीज तक पहुंच होरंग, रंग की कमी सभी अधिक चौंकाने वाली या विचारोत्तेजक हो सकती है। 1915 में, कीव के कलाकार काज़िमिर मालेविच ने अपने क्रांतिकारी ब्लैक स्क्वायर के पहले संस्करण को चित्रित किया और घोषणा की कि यह एक नई तरह की गैर-प्रतिनिधित्वात्मक कला की शुरुआत थी। जोसेफ अल्बर्स, एल्सवर्थ केली, फ्रैंक स्टेला और साइ टम्बली का काम अधिकतम प्रभाव के लिए न्यूनतम रंग के उपयोग को दर्शाता है।

रंग सिद्धांत और रंग के मनोवैज्ञानिक प्रभावों (या इसके अभाव) से प्रभावित कलाकार दर्शकों से विशिष्ट प्रतिक्रिया प्राप्त करने के लिए प्रकाश, स्थान और रंग में हेरफेर करते हैं।

स्याही पेंटिंग

इस तरह की कला कलाकार को विपरीत के स्पष्ट क्षेत्र बनाने की अनुमति देती है। ज्यादातर मामलों में, स्याही पेंटिंग एक सफेद सतह पर काली स्याही का अनुप्रयोग है, जिसके परिणामस्वरूप यह विपरीत होता है। छायांकन करते समय आवश्यक संक्रमण बनाने के लिए, कई परतों को लगाने की विधि का उपयोग किया जाता है। इस तरह के तरीकों में शामिल हैं, उदाहरण के लिए, विभिन्न प्रकार की हैचिंग।

जापान की मोनोक्रोम पेंटिंग

इस तरह की कला चीन से आती है। इसी सांस्कृतिक, दार्शनिक और कलात्मक संदर्भ में मोनोक्रोम पेंटिंग का जन्म हुआ।

चीन की सभी कलाओं में पेंटिंग सबसे महत्वपूर्ण है, यह ब्रह्मांड के रहस्य को उजागर करती है। यह एक मौलिक दर्शन, ताओवाद पर आधारित है, जो ब्रह्मांड विज्ञान, मनुष्य की नियति और मनुष्य और ब्रह्मांड के बीच के संबंधों की स्पष्ट अवधारणाओं को बताता है।

पेंटिंग इस दर्शन का अनुप्रयोग है क्योंकि यह ब्रह्मांड के रहस्यों में प्रवेश करती है।

पारंपरिक मेंचीनी चित्रकला में चार मुख्य विषय हैं जो मूल रूप से जापानी चित्रकला में समान हैं: परिदृश्य, चित्र, पक्षी और जानवर, फूल और पेड़।

जापान में, कामाकुरा युग (1192-1333) के दौरान, योद्धाओं (समुराई) द्वारा सत्ता पर कब्जा कर लिया गया था। इस युग में चीन में भिक्षुओं की तीर्थयात्रा और उनके व्यापार के लिए धन्यवाद, बड़ी संख्या में चित्रों को जापान लाया गया था। इस तथ्य ने संरक्षकों और कला संग्रहकर्ताओं (शोगुन) द्वारा नियुक्त मंदिरों में काम करने वाले कलाकारों को बहुत प्रभावित किया।

आयात ने न केवल विषय वस्तु में बदलाव को प्रेरित किया, बल्कि रंग के एक अभिनव उपयोग को भी बढ़ावा दिया: यामातो-ए (9वीं-10वीं शताब्दी लंबी स्क्रॉल पेंटिंग) को चीनी मोनोक्रोम तकनीकों द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था।

तांग और सांग राजवंशों के महान बौद्ध आचार्यों और चित्रकारों की अद्भुत कृतियों, काली चीनी स्याही में लिखी गई पेंटिंग्स को जापान में सुइबोक-गा या सुमी-ए (13वीं शताब्दी के अंत में) कहा जाता था। पेंटिंग की इस शैली पर मूल रूप से ज़ेन बौद्धों का एकाधिकार था और फिर इस भावना से प्रभावित भिक्षुओं और कलाकारों द्वारा अपनाया गया था, और लंबे समय तक काली स्याही पेंटिंग और ज़ेन पेंटिंग (ज़ेंगा) व्यावहारिक रूप से अविभाज्य थे।

इस काल के सबसे महान सूमी गुरु सेशु टोयो (1420-1506) हैं, जो क्योटो के एक भिक्षु थे जिन्होंने चीन में स्याही चित्रकला का अध्ययन किया था। सेशु एकमात्र कलाकार थे जिन्होंने इस तरह की पेंटिंग के दार्शनिक आधार को आत्मसात किया और इसे जापानी विषयों और कलात्मक भाषा में मूल भावना के साथ-साथ चीनी के स्थानिक प्रतिनिधित्व के संबंध में भी शामिल किया।उस समय के कलाकार।